CD-Regal revisited: Pink Floyd (2)

5. Oktober 2018

Mein erster Eindruck von Pink Floyds Musik war dermaßen günstig, daß ich sehr bald der CD-Abteilung von Saturn einen weiteren Besuch abstattete, um Nachschub zu besorgen. Nach wie vor war mein Wissen um die Band begrenzt, hatte ich doch zu jenem Zeitpunkt noch keinen Zugang zum Internet. Jedoch lief damals eine Fernsehserie mit Dirk Bach, „Lukas“, die ich selten schaute, weil ich generell selten fernsehe. Bin kurzsichtig. Mindestens eine Folge sah ich allerdings, und ausgerechnet da legte Dirk Bach alias Lukas das Album „Dark Side of the Moon“ auf, weil dies seinen Angaben zufolge das perfekte Kiffer-Album sei. Nun war ich zwar nie Kiffer (Ernsthaft. Nie.), aber durch diese Lukas-Episode kannte ich nun ein zweites Album von Pink Floyd, und genau das erwarb ich dann bei nächster Gelegenheit.

Dark Side of the Moon.

So steht es auf dem Rücken der CD, auf dem Titelbild fehlt jeglicher Schriftzug. Es zeigt einzig vor schwarzem Hintergrund einen Lichtstrahl, der durch ein Prisma in die Farben des Regenbogens gespalten wird. Dieses Cover ist eine Ikone der Cover-Kunst, und das Motiv begegnet einem in der ursprünglichen oder abgewandelten Form all überall in der wirklichen und virtuellen Welt, vornehmlich auf T-Shirts, getragen von Menschen, denen man nicht unbedingt angesehen hätte, daß sie auf Pink Floyd stehen. Aber so ungewöhnlich ist das gar nicht, gehört die Platte doch zu den erfolgreichsten und meistverkauften der vergangenen 50 Jahre; selbst Homer Simpson nannte ein Exemplar des Albums sein eigen. Angeblich kamen die hohen Verkaufszahlen allerdings dadurch zustande, daß audiophile Zeitgenossen dieses perfekt produzierte Werk dazu benutzten, ihre Plattenspieler zu justieren, und gegebenenfalls ein Ersatzexemplar beschafften, um stets makellosen Klang garantieren zu können. Ich hingegen legte stumpf die CD in mein schon erwähntes CD-Radio und scherte mich nicht um bestmöglichen Klang.

Es beginnt mit Herzschlag und anderen Soundeffekten und Gesprächsschnippseln, welche ins erste Lied „Breathe“ übergehen, welches in ein Instrumentalstück übergeht, welches ins nächste Lied übergeht, und das hatte ich schon mal gehört. Das hat jeder schon mal gehört! Wannimmer in einem Fernseh- oder Radiobeitrag ein Bezug zum Verlauf der Zeit hervorgehoben werden soll, erklingt entweder das Weckerklingel-Intro des Songs „Time“, oder im Hintergrund läuft der Gesangspart. Das Ende des Tracks von „Time“ ist als eigenes Lied ausgewiesen, „Breathe Reprise“, und geht schließlich über ins nächste Stück „The Great Gig in the Sky“, welches wiederum ein Instrumental ist, sofern man die ekstatische Stimme von Clare Torry als Instrument begreift.
Daß nach dem Verklingen der letzten Töne von „The Great Gig in the Sky“ früher mal die Schallplatte umgedreht werden mußte, merkt man daran, daß der Track nicht nahtlos ins nächste Lied übergeht. Und auch dieses Lied hatte ich schon mal gehört, weil jeder das schon mal gehört hat. Wannimmer in einem Fernseh- oder Radiobeitrag übers große Geld gesprochen wird und mal nicht auf ABBA zurückgegriffen werden soll, erklingt das Registrierkassen-Intro von „Money“. Selbst wenn DSOTM nicht bis heute ein Verkaufsschlager wäre, könnten die Bandmitglieder wahrscheinlich gut von den Tantiemen leben, die ihnen allein aus der Nutzung von „Money“ zufließen. Nachfolgend gehen die Songs wiederum ineinander über. Es folgen „Us and Them“, das Instrumentalstück „Any Colour You Like“, „Brain Damage“, welches sozusagen der Titeltrack des Albums ist, da er die Worte „dark side of the moon“ enthält, und es endet mit „Eclipse“, das wiederum mit Herzklopfen endet, womit das Album wieder am Beginn angelangt wäre.
Da die Single-Auskopplungen „Time“ und „Money“ eh allseits bekannt sein dürften, sei an dieser Stelle mal „Us and Them“ verlinkt. Dick Parry ist hier als Ergänzung zur Band am Saxophon zu hören:

Ob das alles ein passender Soundtrack zum Kiffen ist, vermag ich nicht zu beurteilen; ich kann das auch bei klarem Kopf schönfinden. Auch bei dieser Platte handelt es sich um ein Konzeptalbum, wenn auch vielleicht nicht so augen- oder ohrenfällig wie bei „The Wall“. Beschrieben wird das Leben eines Menschen, der durch verschiedene Aspekte der modernen Welt in Mitleidenschaft gezogen wird, bis es eben zum „Brain Damage“ kommt. Der Herzschlag, der an Beginn und Ende zu hören ist und sich symbolisch durch das ganze Album zieht, wird in der aufklappbaren Plattenhülle durch den grünen Streifen des Regenbogens als Oszillogramm dargestellt:

1973 ist der Titel der Scheibe übrigens noch „The Dark Side of the Moon“ (Hervorhebung von mir), und das Prisma ist nicht massiv ausgefüllt:

Außerdem lagen der Schallplatte zwei Poster bei, deren eines die Pyramiden von Gizeh in blauer Nacht zeigt, was ich oben als Lego-Illustration nachzuempfinden versuchte. (Bei der Gelegenheit merkte ich, daß mein Vorrat an blauen 2×4-Steinen begrenzt ist und die vorhandenen zum Teil starke Vergilbung aufweisen, aber das nur am Rande.) Nach Anhören dieses Albums war mir jedenfalls umgehend klar, daß das nicht mein letztes Album von Pink Floyd gewesen sein konnte.

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CD-Regal revisited: Pink Floyd.

30. September 2018

Ich habe ja nie einen Hehl daraus gemacht, daß ich nicht nur Pink-Floyd-Fan bin, sondern mich sogar so bezeichnen würde, was nicht für alles gilt, wofür ich sympathisches Interesse hege. Aber wie konnte es dazu kommen? In meinem Elternhause jedenfalls lernte ich nicht, ein Ohr zu entwickeln für moderne Spielarten der Tonkunst; da war bei Tschaikowski Schluß, was den Inhalt des Plattenschranks angeht, und es begann bei Schütz, Händel, Bach. Trotzdem schwang „Pink Floyd“ natürlich irgendwie im kulturellen Hintergrundrauschen mit, ohne daß ich dem Begriff konkret Musik hätte zuordnen können. Ein visueller Eindruck zumindest stellte sich spätestens 1994 ein, als in der „ADAC-Motorwelt“ das Golf-Sondermodell „Pink Floyd“ beworben wurde nebst Hinweisen darauf, daß Volkswagen in Deutschland die Konzerte jener Band präsentierte. Oder so.

An meinem letzten Schultag vor den Abiturprüfungen schließlich, mit Abistreich und Musikbeschallung in verdunkelter Pausenhalle, legte der DJ neben dem unvermeidlichen „School’s Out“ von Alice Cooper auch ein Lied auf, welches ich schon zuvor mal gehört hatte, und welches die Zeilen enthielt „We don’t need no education / We don’t need no thought control“, und ich frug einfach mal, wer das sänge? Aha, Pink Floyd. Weiter konnte ich mich nicht damit beschäftigen, denn ich mußte die letzte Gelegenheit nutzen, doch endlich mal zu schwänzen. Ich entfernte mich also von der Schule, um durch die Fahrprüfung zu fallen. Was ich dann auch tat.

Nach dem Abi spülte mir der Zivildienst nie zuvor gekannte Geldsummen aufs Konto, satte 13 D-Mark am Tag! Ausgerüstet mit derartigem Reichtum konnte ich ohne Reue bei Saturn nach CDs stöbern, wo mir eines Tages tatsächlich ein Album als Nice-Price-Angebot in die Hände fiel:

The Wall

Ein Doppelalbum für 15 D-Mark, doch gab es keine Titelliste auf der Rückseite. Aber wenn das einzige mir bekannte Pink-Floyd-Lied „Another Brick in the Wall“ nicht auf dem Album „The Wall“ vertreten war, wo dann? Ich ging also das Risiko ein und nahm die CD mit. Kaufenderdings; nicht daß hier noch der Eindruck entsteht, ich würde der Liste meiner Schandtaten neben Schuleschwänzen nun etwa auch noch Ladendiebstahl hinzufügen, nee, nee.

Unbeleckt von jeglichem Vorwissen legte ich daheim Disc 1 in mein CD-Radio, um mir mit schlechtem Klang ein vermutlich bis ins Kleinste ausgetüfteltes High-Fi-Sound-Erlebnis zu geben, aber ich wußte es ja nicht besser und konnte auch nicht anders. Die Musik jedenfalls überzeugte mich fast unmittelbar. Die Mischung aus schönen Harmonien und Brachialität bot mir just die Interessanz, für die ich empfänglich war, und das bereits, ohne daß ich mich näher mit den Texten und dem alles umfassenden Konzept auseinandergesetzt hätte. Daß es sich um ein Konzeptalbum handelt, bekam ich indes schnell spitz. Auf das ouvertürenhafte „In The Flesh?“, welches das Publikum auf die zu erwartende Show vorbereitet, folgt auf der ersten Scheibe über alle Lieder verteilt der Abriß des Werdegangs eines jungen Mannes, unter besonderer Berücksichtigung aller Faktoren, die zu seinen späteren Psychosen führen: Die dominante Mutter, der Verlust des Vaters im Krieg, die eigenen Erlebnisse im Bombenhagel, die seelenlosen, grausamen Lehrer in der Erziehungsanstalt, die verkorkste Pubertät und die treulose Freundin, sowie allgemein die betonierte Gesellschaft. All dies sind Ziegel in der Mauer, mit der sich Pink – so wird der Protagonist im Lied „In the Flesh“ bezeichnet, was somit das Album als irgendwie autobiographisch ausweist – umgeben fühlt, und welche mit jeder Begebenheit weiter in die Höhe wächst, bis er emotional komplett abgeschottet ist. Als Höreindruck soll nun nicht „Another Brick In The Wall“ dienen, welches als wiederkehrendes Motiv auf der ersten Disc in drei Teile aufgesplittet ist, sondern „Young Lust“:

(„The Wall“ erschien 1979, drei Jahre zuvor hatten bereits Black Sabbath „Dirty Women“ besungen, aber das tut hier nichts zur Sache.)
Die zweite Scheibe stellt zunächst Pinks Seelenzustand in der Isolation dar. Er fühlt sich einsam und der Welt nicht weiter zugehörig, betäubt sich mit Fernsehen und Drogen, was er freilich abstreitet, und entwickelt als Folge der rigiden Erziehung, die, da er hinter seiner Mauer sitzt, nun nicht mehr durch äußere Eindrücke korrigiert werden kann, ein faschistisches Weltbild, fühlt sich gehetzt und wartet eigentlich bloß noch auf den Tod. Schließlich imaginiert er nach einem Zwischenfazit, welches die Publikumsansprache der Ouvertüre wieder aufgreift, eine Art jüngstes Gericht, freilich nicht unter dem Vorsitz Gottes, sondern von Richter Wurm, da Leichen nun mal von Würmern zerfressen werden, mit der Anklage, Gefühle von beinahe menschlicher Natur zu haben. Das Urteil lautet: Öffentliche Zurschaustellung, also weg mit der Mauer!
Als Anspieltipps böte sich hier so manches an, das längste Stück der Platte, „Comfortably Numb“, das getriebene „Run Like Hell“ oder auch das operettenartige „The Trial“, aber mir hat es „Hey You“ angetan:

Was ich damals, 1996 oder 1997, alles noch gar nicht wußte:
„The Wall“ ist in der Tat irgendwie autobiographisch, insofern Roger Waters, der Bassist und Hauptsongschreiber jener Tage, hier die Traumata seiner eigene Kindheit aufarbeitet. Auf der vorausgegangenen Tour hatte er an sich selbst Verhaltensweisen bemerkt, die ihm ganz und gar nicht behagten, was ihm die Idee zu diesem Konzeptalbum gab. Die anderen Bandmitglieder waren am kreativen Prozeß nur marginal beteiligt, einzig David Gilmour konnte mit „Comfortably Numb“ ein wahres Highlight aufs Album schmuggeln. Pianist Richard Wright wurde sogar nach Abschluß der Studioaufnahmen aus der Band gefeuert, da er sich mit Roger Waters so gar nicht mehr verstand, ironischerweise jedoch für die folgenden Live-Darbietungen als bezahlter Bühnenmusiker wieder engagiert.

Diese Bühnen-Show war das Aufwendigste (mit e!), was seit barocken Opernaufführungen vor Publikum zelebriert wurde. Quer über die Bühne wurde während der Show eine Mauer aus Pappquadern gebaut, auf diese Mauer wurden von Gerald Scarfe animierte Szenen projiziert, davor wackelten überlebensgroße Marionetten über die Bühne, eine Pseudo-Band in Masken der originalen Pink-Floyd-Mitglieder spielte vor der Mauer, während die Band selbst dahinter weitgehend im Verborgenen blieb. Am Ende fiel die Mauer mit lautem Getöse in sich zusammen. Das alles war so teuer, platzfordernd und eben aufwendig, daß „The Wall“ 1980 und 1981 nur an vier Orten weltweit überhaupt aufgeführt wurde, namentlich Los Angeles, wo die Premiere stattfand, New York, selbstverständlich London und – – – Dortmund. Damals galt die Westfalenhalle noch als erste Adresse für derlei Veranstaltungen.

Irgendwann später (im Jahr 2000) erwarb ich dieses opulente Live-Doppelalbum, wiewohl ich früher überhaupt kein Freund von Live-Versionen irgendwelcher Lieder war. Aber seit ich erfahren hatte, daß ausgerechnet Dortmund Schauplatz der exklusiven The-Wall-Show war, drängte es mich, ein Dokument dessen zu besitzen. Das Live-Album wurde freilich in London aufgenommen. Vergebens war die Anschaffung dennoch nicht, denn die Longbox enthält ein Buch, das den Produktionsprozeß der Show dokumentiert. Passend zur den Rahmen sprengenden Bühnen-Show ist auch diese Verpackung so voluminös, daß sie nicht vernünftig in mein CD-Regal paßt. Nun ja.

Roger Waters hatte „The Wall“ nicht bloß als Konzeptalbum entworfen, sondern die visuelle Präsentation von vornherein mitgeplant. Innerhalb des Albums selbst wird die „Show“ mehrfach erwähnt (Der Song „The Show Must Go On“ ist freilich weniger im Bewußtsein der Öffentlichkeit, als es Queens Lied unter demselben Titel sein mag.), und auch die Pseudo-Band vor der Bühnen-Mauer findet Erwähnung. Die Aufmachung der Album-Hülle (außen schlicht und innen farbenprächtig) wurde ebenso von Gerald Scarfe entworfen wie die Animationen, die während der Show über die Mauer flackerten, und die animierten Passagen im surrealistischen Film von 1982. Die Hauptrolle des Pink spielt dort Bob Geldof, und die Handlung wird nahezu ausschließlich anhand der Musik des Albums erzählt. Der Song „When The Tigers Broke Free“, der nicht mehr auf die Schallplatte gepaßt hatte, konnte im Film verwendet werden.
Na gut, also doch „Another Brick In The Wall part 2“:

Auch diesen Film kaufte ich erst sehr viel später, und die DVD-Hülle ist so schmal, daß sie in der Tat quer über die CDs ins Regal paßt.

Den Titel Mutter aller Konzeptalben dürfte „The Wall“ trotz der epochalen Begleitumstände nicht für sich beanspruchen, denn da ist „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ vor. Das war mir natürlich schnurz, mir gefiel’s, sehr sogar. Als erste Begegnung mit der Musik von Pink Floyd hätte es freilich fatal sein können, denn der zum Teil bombastische Sound von „The Wall“ ist keineswegs charakteristisch für das frühere Œuvre der Band. Des wurde ich sehr bald gewahr, denn dieses Album machte mir umgehend Appetit auf mehr, so daß mein Kauf eines zweiten Pink-Floyd-Albums nicht lange auf sich warten ließ.


Stein auf Stein.

28. August 2018

Kürzlich habe ich endlich alle Nexo-Knights-Sets auseinandergebaut, die hier aufgebaut herumstanden. Leider ist das gleichbedeutend mit: Alle Nexo-Knights-Sets. Du weißt, daß mit Legos Ritter-Thema was schiefgelaufen ist, wenn nach dem Auseinandernehmen mehr Space-Räder, noppenlose Technic-Balken und orangetransparente 1×1-Rundplättchen übrigbleiben als graue Steine und Bögen. (Ja, ich wiederhole mich, aber es gibt dutzende Indizien für die generelle Blödheit der Nexo-Knights-Serie.)

Davon abgesehen ist mir aber im Zuge dessen etwas anderes wieder bewußt geworden: Lego (in Person des jeweils diensthabenden Set-Designers) legt immer weniger Wert auf stabile Verbundbauweise. Zwar sind die Modelle am Ende durchaus noch stabil, von Ausnahmen abgesehen, aber entweder durch exzessiven Gebrauch von Technic-Lochbalken und schwarzen Pins, oder durch eine einzelne verbindende Schicht über einem größeren Baukomplex, der in sich instabil gebaut ist. Wieso ist das so? Lego selbst hat doch erst 1970 *hust* in seinem „Lego® Magazin“ darauf hingewiesen, wie man stabile Mauern baut.

Das Magazin ist eine Mischung aus Bauspielbuch und Katalog, und nach der Vorstellung der sehr unpuristisch gebastelten Figuren „Herr und Frau Knopf“, die als Zeichnung durch das Magazin führen, werden die Grundlagen erklärt:

Es ist ganz einfach, wenn Du „richtig“ baust. Du mußt Deine Steine so setzen, wie es auch die Maurer auf einer großen Baustelle tun. Ein Stein wird so gelegt, daß er zwei andere verbindet. In der Bausprache heißt das: „im Verbund bauen“. Dadurch wird Deine Konstruktion stabiler. Auf den Bildern hier unten siehst Du, was wir meinen.

Lego wußte also mal, wie es geht, und jedes Kind wußte es ebenfalls, zumindest, wenn es dieses Magazin durchgeblättert hatte. Das haben die aktuellen Set-Entwickler ganz offensichtlich nicht getan, denn allzu oft werden einfach stumpf 1×4-Steine übereinandergesteckt, oft angeordnet neben 5-hohen Säulen und eventuell einer Konstruktion aus SNOT-Konvertern*, an welche dann eine andere Baugruppe seitlich angeflanscht wird. Davon blieben nach der Abbausession auch ganz viele übrig. Und genau da liegt möglicherweise der Hase im Pfeffer. Lebendig natürlich, denn für diesen Blog-Eintrag wurden keine Tiere gequält! Jedenfalls werden Mauerstrukturen nicht mehr grundsätzlich in Stein-auf-Stein-Bauweise ausgeführt; das hat Lego sozusagen gar nicht mehr nötig. Denn der Teilekatalog umfaßt dieser Tage dermaßen viele verschiedene Teile, daß es offenbar ein Sakrileg wäre, sich dieser Teile und der damit einhergehenden Bautechniken nicht zu bedienen.

*) Studs Not On Top, also irgendwie seit- oder unterwärts.

Nun spricht natürlich nichts dagegen, an Stellen, wo die Bausituation es erfordert, eine gewiefte SNOT-Konstruktion zur Anwendung zu bringen, um die gewünschte Form des Bauwerks herzustellen. Ich selbst rühme mich des Einsatzes solcher Bautechniken. Ein Beispiel zum Beispiel. Beim Bau der Veste Falckenstein kam ich nicht umhin, ein Eckpaneel durch eine hochkant eingebaute Dachschräge zu ersetzen, weil der Vorsprung der daneben angeordneten Zinne hineinragte (Bilder = Links):

Wenn man vor einem derartigen Bauproblem steht und einem solch eine Lösung einfällt, dann freut man sich. Vor allem aber ist die SNOT-Bauweise kein Selbstzweck, sondern dient lediglich dem in sich konsistenten Erscheinungsbild. Dahingegen habe ich bei vielen SNOT-Konstruktionen in aktuellen Sets den Eindruck, daß die angewendete Technik keinem höheren Zweck dient als dem, die Versiertheit des Konstrukteurs unter Beweis zu stellen. Vielleicht soll es auch den Bauprozeß interessanter machen, aber das wäre ja sowieso subjektiv. Vielfach sind solche SNOT-Kontruktionen nicht nur nicht notwendig, sondern es gebricht ihnen auch an einem ästhetischen Mehrwert, insofern sie eine eigentlich logische, klare Struktur unnötigerweise unruhig machen. Da es notwendig ist, für das geSNOTete Teilstück eine entsprechend glatt umrandete Lücke zu lassen, kommt also im Verein mit den oft daneben angeordneten unflexiblen Großteilen das Stabilitätsproblem noch hinzu.

À propos Großteile. Früher, als nicht alles besser war, aber manches halt doch, waren selbst die oft geschmähten Wandformteile noch so gebaut, daß sie Verbundbauweise ermöglichten.


Neben den Einbuchtungen an den vier Ecken, über die das das alte Burgwand-Paneel mit der Umgebung verzahnt werden konnte, verfügte es zusätzlich über einen Steg in der dritten Dimension und somit weitere Einbaumöglichkeiten. Freilich war das Teil ein POOP, also ein „piece out of pieces“, welches auch aus herkömmlichen Teilen gebaut werden konnte, weshalb es insgesamt die etwas problematische 5er-Breite hatte, weil so die Schießscharte durch einen 1×3-Bogen dargestellt werden konnte. Das Paneel in der Mitte ist kein POOP, denn das 1-breite Fenster ist mittig in 4er Breite angeordnet, was sich so nicht mit kleineren Teilen darstellen läßt. Dafür fehlt dem Formteil unten die Verzahnungsmöglichkeit. Durch die geringere Höhe kann es allerdings oben sicher überbaut werden. Das rosa Fensterpaneel ist nicht auf Verzahnung ausgelegt.


Bei den Eckpaneelen ergibt sich ein ähnliches Bild – Verzahnung ist allenfalls oben möglich. Zugegebenermaßen verursachen die Einbuchtungen am alten Paneel (im Bild grau) eine etwas unelegante Form, während die neue Form sehr viel schlanker wirkt. Aber eben auch unverbundener.

Der Umstand, daß neue Teilformen wenig Wert auf Verbundbauweise legen, deutet darauf hin, daß es sich im Einzelfall nicht um individuelle Bauentscheidungen des zuständigen Set-Entwicklers handelt, sondern auch eine systemimmanente Unternehmenskultur dahintersteckt. Verbundbauweise erfordert nämlich gegebenenfalls ungeradzahlige Steinlängen, um zum Beispiel Übergänge an Ecken zu bewerkstelligen. Verzichtet man auf Verbund, kann man eventuell Steineformen weglassen, die ansonsten im entsprechenden Set nicht benötigt werden. Aus demselben Grund wurde das normale 1×1-Plättchen gewissermaßen in Sets zur Seltenheit; denn alle Stellen, an denen ein 1×1 großes Plättchen benötigt wird, werden durch die eine sowieso im Set enthaltene 1×1 große Platte ausgefüllt, ungeachtet deren Form, Farbe und Opazität oder Transparenz.
Auf diese Weise wird der Sortier- und Verpackungsprozeß verschlankt, da bei der Zusammenstellung des Sets weniger verschiedene Kisten mit sortenreinen Teilen aus dem Hochregal geholt werden müssen, ergo ergibt sich eine Kostenersparnis. Am Ende geht es immer um Kostenreduzierung. Das ist gut für Lego, die Firma, aber nicht unbedingt gut für Lego, das Bausystem. Denn durch die Einsparung von Teilen, die bei Verbundbauweise benötigt würden, ergeben sich eben objektive Qualitätsmängel, von der eventuell beeinträchtigten optischen Erscheinung ganz abgesehen. Darüber können auch die vielen tollen Bautechniken nicht hinwegtäuschen, besonders, wenn sie bloße Augenwischerei ohne funktionalen Mehrwert sind. Das mag der gegenwärtigen Kernkundschaft gleichgültig sein, da sie es nicht anders kennt. Ich als Veteran hingegen, der seit mindestens 1980 mit Lego aufgewachsen ist, habe den Vergleich. Dieser Vergleich mag durch den nostalgischen Blickwinkel beeinträchtigt sein, jedoch nicht ausschließlich, wie ich oben darzulegen versuchte. Und er fällt häufig – nicht immer! – zu Ungunsten der aktuellen Sets aus. Ich kann’s ja auch nicht ändern!


CD-Regal restocked: Black Sabbath

17. November 2017

Im Zuge meiner Recherchen zu Metallica und Metal-Music allgemein war es unvermeidlich, daß ich mehr als einmal über „Black Sabbath“ stolperte, denn jeder Metal-Musiker, der etwas auf sich hält (also alle), gefragt nach seinen Einflüssen, nennt diese Band fundamental nicht nur für seine eigene, sondern für die Entwicklung des gesamten Genres. Auch mir selbst war natürlich irgendwie seit meiner Kindheit bewußt, daß es Black Sabbath gab, aber sie rauschten halt so mit im musikalischen Farbspektrum, das von Pink Floyd über Deep Purple bis eben Black Sabbath reichte, ohne daß mich konkret mit irgendeiner dieser Bands etwas verbunden hätte. Zwar ist mir erinnerlich, in der Pausenhalle mal einen älteren Schüler mit einem Black-Sabbath-T-Shirt gesehen zu haben, das so ein keltisches Kreuz mit dem Namen der Band in phantasievoller Frakturschrift zeigte, zwar beherbergt meine Festplatte seit nicht ganz einer vollen, aber bestimmt einer halben, wenn nicht gar einer Dreifünftelewigkeit die Songs „Paranoid“ und „Children of the Grave“, die auch von mir gerne gehört wurden. Aber trotz all dem vermeinte ich über Black Sabbath nur dreierlei zu wissen, was ich im Laufe der Jahre so aufgeschnappt hatte: Sie sind eine Metalband, die es schon sehr lange gibt; Ozzy Osbourne ist ein Wahnsinniger, der auf der Bühne Fledermäusen die Köpfe abbeißt und mal in so einer Art Reality-TV-Show auftrat; und man bringt Black Sabbath mit Satanismus in Verbindung.
Vielleicht war es der letzte Punkt, der mich, aus gutem christlichen Hause stammend, davon abhielt, der Musik dieser Band meine nähere Aufmerksamkeit zu widmen, denn mit Satanismus wollte ich natürlich nix zu tun haben, Gott bewahre! Tja, mein Pech. Aber inzwischen habe ich mich von religiös motivierten Ressentiments dieser Art befreit, ich ging der Sache also in den letzten Monaten auf den Grund, und guess what: So satanistisch sind die gar nicht.

Black Sabbath

Da ich ja gerne strukturiert vorgehe, fing ich also vorne an. Zu meiner Überraschung stammt das selbstbetitelte Debüt-Album bereits aus dem Jahre 1970. Ich hatte ja geahnt, daß Black Sabbath einer frühen Periode der Metal-Musik zuzurechnen sind, aber ich hatte mehr so an die Zeit von Venom und Judas Priest oder Iron Maiden gedacht. Aber 1970, das ist ja die Zeit der Beatles (noch) und der Rolling Stones (immer), da gab es The Who und Genesis, die Yardbirds (schon nicht mehr), Led Zeppelin (in der Nachfolge der Yardbirds), Deep Purple und Pink Floyd. Als sich 1968 in Birmingham die vier Freunde Tony Iommi, Geezer Butler, Bill Ward und Ozzy Osbourne, deren bürgerliche Namen in willkürlicher Reihenfolge Terence, Michael, Joseph, John, Frank, Anthony, Thomas und William umfassen (Mehrfachnennungen möglich), nebst zwei weiteren Musikanten die „Polka Tulk Blues Band“ gründeten, welche nach Abgang dieser beiden weiteren Musikanten in „Earth“ umbenannt wurde, war England amtierender Fußball-Weltmeister, führten die USA einen moralisch kaum zu rechtfertigenden Krieg in Vietnam, und Hippies aßen Blumen, rauchten alles mögliche und warfen LSD ein. Adenauer war freilich schon tot (knapp). Die junge Band probte gegenüber einem Kino, in dem unter anderem Horrorfilme gezeigt wurden, deren einer „Black Sabbath“ hieß, und da der Name „Earth“ bereits vergeben war und „Black Sabbath“ fein schaurig und makaber klang, benannten die Jungs ihre Band entsprechend um. Außerdem hatten sie Bock darauf, Musik zu machen, die das schaurige Tembre der damaligen Horror-Filme wiedergab, und mit diesem Ansinnen begann sie, eigene Lieder zu schreiben und zur Aufführung zu bringen. Als sie schließlich ins Studio gingen, um ihr Songmaterial auf Vinyl zu pressen, nahmen sie am ersten Tag alle sieben oder acht oder auch mehr Songs auf, die sie im Repertoire hatten (Darunter mit „Evil Woman“ und „Warning“ zwei Cover-Songs), am zweiten Tag wurde abgemischt, und der Soundingenieur fügte noch coole Effekte wie Glockenschlag und Gewittergrollen hinzu. Fertig war das Album. Heute enthält es acht Songs, aber einige Lieder haben Intros und Outros, die bisweilen als eigene Tracks gezählt wurden, und der Song „Wicked World“ war ursprünglich nicht auf dem Album enthalten, sondern wurde nur als Single herausgegeben.
Das selbstbetitelte Album beginnt mit dem selbstbetitelten Lied „Black Sabbath“, damit auch jeder wußte, womit er es hier zu tun hatte. Nach Glockenschlag und Regenprasseln setzt, haha! der Tritonus, das Teufelsinterval ein, ein schweres Riff, bis schließlich Ozzy Osbournes unvelwechserbare Stimme erklingt:

Birmingham ist eine Industriestadt. Gitarrist Tony Iommi hatte sich bei einem Arbeitsunfall im Walzwerk zwei Fingerkuppen abgequetscht. Ozzy Osbourne fand es als Halbstarker mal notwendig, sich als Dieb zu betätigen, kam für einige Wochen in den Knast und tätowierte sich dort „Ozzy“ auf die Finger. Bassist Geezer Butler hatte nicht nur diesen ulkigen Spitznamen (geezer heißt sowas wie „komischer Kauz“), sondern beschäftigte sich auch mit Okkultismus und dergleichen. Also man merkt schon, das waren hier nicht die glatten Beatles oder die Intellektuellen von Pink Floyd. Nein, das war Heavy Metal, bloß wußte das damals noch keiner. Gemeinhin wird dieses Album zwar, trotz deutlicher Blues-Einflüsse inklusive Maultrommel und Mundharmonika, als Geburt des Heavy Metal angesehen, aber auch das Debutalbum von Led Zeppelin (1969) ist im Rennen um diese Ehre. Is‘ aber auch egal, denn düsterer und baßlastiger als Black Sabbath war zu diesem Zeitpunkt niemand, ganz zu schweigen von den harten Riffs. Und ja, der Deibel findet seine Erwähnung; im Titelsong grinst sich Satan eins, und der Song „N.I.B.“ ist gar aus der Perspektive Lucifers geschrieben. Allerdings kann man bei beiden Liedern kaum davon sprechen, daß der Leibhaftige hier verehrt würde, vielmehr ist das Gegenteil der Fall. Dessen ungeachtet fand es der fürs Artwork zuständige Mitarbeiter der Plattenfirma angemessen, im Innern ein umgedrehtes Kreuz zu platzieren, worauf die Band also wohl keinen Einfluß hatte, aber auch wenige Einwände vorbrachte, denn als Zeichen der Rebellion hatten die Jungs nichts dagegen. Aber fürderhin hatte Black Sabbath den Ruf weg, Teufelsanbeterei zu betreiben.

Paranoid

Noch im selben Jahr, 1970, nahm Black Sabbath das zweite Album auf. Es beginnt mit einem schweren Riff und Sirenengeheul in der Anti-Kriegs-Hymne „War Pigs“. Abermals wird der lachende Satan erwähnt, und abermals nicht zu seinem Ruhme. Es folgt ein kurzer Song, den die Band am Ende der Aufnahme-Sessions noch rasch aus dem Ärmel schüttelte, um eine Gesamtspieldauer von über 40 Minuten zu erzielen. Doch statt eines bloßen Lückenfüllers wurde „Paranoid“ der Titeltrack, eine Single-Auskopplung und im Grunde das Aushängeschild von Black Sabbath.

Mit dem Lied „Iron Man“, der mit der Comicfigur nichts zu tun hat, beinhaltet das Album nicht nur einen weiteren Black-Sabbath-Klassiker, sondern mit „Hand of Doom“ brachten sie nach dem Metal-Genre als ganzem gleich auch noch das Doom-Subgenre mit auf den Weg. Aber eigentlich waren Iommi, Osbourne, Ward und Butler zu jener Zeit vor allem zugedröhnte Hippies, denen Psychedelic Rock nicht hart genug war und die als Kinder des düsteren Birmingham mit Flower Power nichts am Hut hatten. Das Album ist politischer und gesellschaftskritischer als das Debut, auch lösten sich die Musiker deutlich von ihren Wurzeln als Blues-Band und wandten sich mehr dem Hard Rock zu, weil sie ja immer noch nicht wußten, daß sie eigentlich Heavy Metal machten. Der Song „Planet Caravan“ zeigt aber dann doch psychedelische Einflüsse.
Ursprünglich sollten Album und Titeltrack „Walpurgis“ heißen, weil: Hexensabbath. Klever. Das war den Verantwortlichen des Plattenlabels aber plötzlich zu schwarzmagisch; jüngste Erfahrungen einer USA-Tour hatten gezeigt, daß dortselbst die Auftrittsmöglichkeiten eingeschränkt waren, wenn sich die Band zu antichristlich gab. Also wurde der Songtitel in „War Pigs“ geändert, was wenigstens die Lautgestalt einigermaßen beibehielt, und der Text entsprechend umgeschrieben. Das Umschlagbild zeigte darob einen in ein Schweinskostüm gewandeten Säbelschwinger. Und dann nahm die Plattenfirma erneut eine Umbenennung vor, weshalb das War-Pig-Bild nun nicht zum endgültigen Titel „Paranoid“ paßt.

Master of Reality

Die Tantiemen der ersten beiden Alben waren rasch versoffen, darum wurde im Juli 1971 gleich das dritte nachgeschoben. Tony Iommi hatte zuvor schon, um seine verletzten Finger zu schonen, seine Gitarre mit leichteren Saiten bespannt. Nun verringerte er zusätzlich den Druck, indem er die Gitarre soundsoviele Schritte tiefer stimmte. Seine Bandkollegen folgten seinem Beispiel, und so ergab sich ein noch düsterer, schwererer Klang. Spätestens jetzt spielte Black Sabbath also Heavy Metal.
Nach einem geechoten Huster von Tony setzt mit „Sweet Leaf“ eine Ode auf süßes Rauchkraut ein, gefolgt von dem geradezu christlich anmutenden Lied „After Forever“, mit dem Geezer vielleicht endlich dem verbreiteten Eindruck entgegenwirken wollte, daß die Band sich dem Teufel verschrieben habe. Das kurze Instrumentalstück „Embryo“ leitet schließlich als Höhepunkt der A-Seite „Children of the Grave“ ein. Besser geht’s nicht!

Das schaurig gehauchte „children of the grave“ am Ende war auf der Langspielplatte als Endlosschleife angelegt, so daß sich, wer wollte, die ganze Nacht hindurch begruseln lassen konnte. Das Lied handelt davon, daß Kinder, die in dieser düsteren Zeit von Krieg und atomarer Wettrüstung auf die Welt kommen, sozusagen direkt aus dem Grab heraus geboren werden, so sich denn nicht bald mal was zum Besseren ändert.
Die B-Seite beginnt mit dem geradezu lieblichen Instrumentalstück „Orchid“. Und dann zeigt der Teufel doch noch sein Gesicht: „You made me master of the world where you exist / The soul I took was not even missed.“ Das rifflastige Lied „Lord of the World“ beklagt aus der Sicht des Gehörnten den Hang der Menschen, auf bösen Wegen durch die Welt zu wandeln, statt die Liebe zu wählen. Wie dergleichen Texte überhaupt je als satanistisch mißverstanden werden konnten, ist mir schleierhaft. Zumindest gibt es hier von Verehrung keine Spur, sondern die Lieder bieten eine Bestandsaufnahme des Weltzustands, die so düster und pessimistisch ausfallen muß, weil die Realität nun mal leider so düster ist. Am Ende bleibt nur die Flucht „Into the Void“, wo hoffentlich eine bessere Zukunft wartet.
Mit nicht einmal 35 Minuten ist „Master of Reality“ bedauerlich kurz, dafür enthält es aber auch ausschließlich phantastische Songs, die musikalisch und textlich auf den Punkt kommen. Der LP lag ein Poster bei, welches die Band auf der Kuppe eines Waldwegs zeigt. Auf dem obigen Bild habe ich versucht, dies in Lego einzufangen.

Vol. 4

Fürs vierte Album zogen Black Sabbath 1972 ins Record-Plant-Studio nach Los Angeles. Hatten die vier in ihrem bisherigen Rockstarleben vor allem dem Alkohol zugesprochen und des Marihuanas genossen (Jahá! Ein Objektgenitiv!), so lernten sie in L.A. die bewußtseins… äh… verändernde Wirkung von Kokain kennen und schätzen. So begeistert waren sie von dem weißen Pulver, daß sie nicht nur den Song „Snowblind“ schrieben, sondern ihn gleich zum Titeltrack für das gesamte Album machen wollten. Das war mal wieder nicht im Sinne der Plattenfirma, also benamsten sie die LP trotzigerweise gar nicht, sondern nannten sie schlicht „Vol 4“. Das ikonische Titelbild zeigt den Wizard of Ozz, der das Publikum mit dem Peace-Zeichen segnet. Der Umstand, daß einzig Ozzy einen Platz auf dem Cover bekam, ließ der Legende nach Tony Iommi leicht vergnatzt sein und veranlaßte ihn, des Sängers Mikrophon fortan von der Bühnenmitte an den linken Rand zu verlegen. Wie auch immer. Das Album ist insgesamt noch härter und rifflastiger als die Vorgänger, mit gelegentlichen Experimenten. Der Track „FX“ ist bloß eine Effektspielerei mit allerhand Gegenständen auf Tonys Gitarrenseiten; was Bands in jener Zeit halt so taten. Aus dem Riffgewitter stechen außerdem die geradezu als Schnulze zu bezeichnende Ballade „Changes“ sowie das elegische Gitarrensolo „Laguna Sunrise“ hervor. Es ist beim Durchhören des Albums schwierig, sich für einen exemplarischen Höreindruck zu entscheiden, also ergreife ich die letzte Chance und verlinke das doomige „Under the Sun/Every Day Comes and Goes“, mit dem die Platte endet:

Mit Vol. 4 schien Black Sabbath sich für eine härtere Stilrichtung entschieden zu haben, wiewohl Streicher zum Einsatz kommen und der Song „Changes“ eine Klavierballade ist. Annähernd jeder Track auf dem Album wird von irgendwem als absoluter Klassiker angesehen, vielleicht mit Ausnahme von „FX“. Dummerweise war die Studioarbeit aber auch begleitet von exzessivem Kokainkonsum, was von den Musikern zunächst als kreativitätsfördernd empfunden wurde, mittelfristig aber nicht ohne negative Auswirkungen auf das Gefüge innerhalb der Band bleiben sollte.

Sabbath Bloody Sabbath

Und da war er wieder: Black Sabbath‘ Okkultismus! Gleich auf dem symbolträchtigen Titelbild der 1973er Veröffentlichung springt er dem Betrachter entgegen. Nackte Dämonen bedrängen einen Sterbenden unter dem Zeichen von Totenkopf und *raun* 666. (Auf der Rückseite des Covers stirbt derselbe Mann im Kreise seiner Lieben und unter Engelsflügeln. Also alles Ansichtssache.) Diesmal ließ sich die Band auch nicht von der Plattenfirma dreinreden, sondern setzte den Titeltrack direkt an den Anfang.

So heavy und gitarrengetrieben dieser Song auch ist, mit diesem Album treten Black Sabbath in ihre progressivere Phase ein. Die Songstrukturen werden komplizierter, und die Instrumentierung geht über das klassische Gitarre-Baß-Schlagzeug-Gesang-Arrangement hinaus, insofern neben Synthesizern auch verschiedene Percussion-Instrumente nebst Pauken, sowie Flöte und Dudelsack zum Einsatz kommen. Auch Streicher sind wieder dabei, und Yes-Tastengott Rick Wakeman konnte zu einem Gastauftritt beim Song „Sabbra Cadabra“ nicht nein sagen. Das klingt alles ziemlich opulent, und das, obwohl die Band zu Beginn der Studioaufnahmen in L.A. unter einer lähmenden Schreibblockade litt. Vielleicht war das Kokain, das der Legende nach kartonweise angeliefert wurde, dem kreativen Prozeß doch nicht so förderlich. Jedenfalls verlagerte die Band ihre Aufnahmen schließlich vom sonnigen Kaliformien ins heimische England, wo die mittelaterliche Atmosphäre des Clearwell Castle offenbar belebend wirkte, denn am Ende stand dieses Album, das neben dem Titeltrack und dem schon erwähnten „Sabbra Cadabra“ auch die Klassiker „A National Acrobat“ und „Spiral Architect“ beinhaltet. Der Song „Killing Yourself to Live“ ist übrigens keine Anleitung zum Selbstmord, sondern eine Aufforderung, das Leben in die eigenen Hände zu nehmen, und bei „Looking for Today“ vermeine ich sogar einen Beatles-Einfluß zu hören. Vielleicht interpretiere ich zuviel hinein, aber immerhin gibt Ozzy an, großer Beatles-Fan zu sein. (Und als er schließlich mit Mitte 50 sein Idol Paul McCartney, Anfang 60, zum ersten Mal persönlich trifft und vor Ehrfurcht zerfließt, behandelt Sir Paul den Prince of Darkness wie ein hundsgemeines Groupie.)

Sabotage

Im Jahre 1974 gab es kein neues Album von Black Sabbath. Was war da los? Nun, die Band fand sich in einen Rechtsstreit mit ihrem vormaligen Manager verwickelt, den sie feuern mußten, weil er sie über’n Tisch gezogen hatte. Tony, Bill, Geezer und Ozzy hatten den Eindruck, daß ihnen durch die Musikindustrie Knüppel zwischen die Beine geworfen wurden, was schließlich 1975 zum Albumtitel „Sabotage“ führte, durch den Sab-Anklang sowieso passend. Der Ärger und die Frustration, die mit dem ganzen Rechtskram einhergingen, befeuerten den kreativen Prozeß, das Lied „The Writ“ (Der Schrieb) ist eine direkte Reaktion auf die Situation. Musikalisch wird der Weg, der auf dem Vorgängeralbum eingeschlagen wurde, nicht weiterbeschritten. Auf dem Quasi-Instrumentalstück „Supertzar“ erklingt zwar vielstimmiger Chorgesang, der mich (und vermutlich ausschließlich mich) ein wenig an Pink Floyds „Atom Heart Mother Suite“ gemahnt. Ansonsten reicht das Spektrum jedoch von Hard Rock über Heavy Metal und Progressive Rock zu beinahe schon Pop. Der Song „Am I Going Insane (Radio)“ ist in der Tat radiotauglich, auch wenn das „Radio“ im Titel mit dem Rundfunkempfangsgerät gar nichts zu tun hat, sondern ein Slang-Wort für „mental“ ist (gemäß Wikipedia). Von Hölle und Teufel ist auf diesem Album freilich kaum die Rede. Das fast neuneinhalbminütige Stück „Megalomania“ wäre ein guter Anspieltip, aber ich entscheide mich für „Symptom of the Universe“, weil es geradezu Thrash-Metal ist, welchselbiges Genre Black Sabbath somit auch erfunden hätten. In your Face, Metallica!

Und dann dieses Titelbild! Der sabotierte Spiegel, der eben nicht das Spiegelbild zeigt, ist genial. (Die Rückseite des Covers zeigt die ganze Szene übrigens von hinten.) Aber warum trägt Bill Ward eine rote Strumpfhose und Ozzy Osbourne einen seidigen Morgenmantel? Bill Ward erklärte später, daß er keinen Bock hatte, beim Phototermin einfach seine Jeans zu tragen, weil ihm das zu langweilig war. Darum zog er eine zufällig vorhandene Strumpfhose seiner Freundin an, welche freilich allzu deutlich betonte, daß er – ganz Rockstar – keine Unterhose trug. Also bat er Ozzy um dessen Unterhose, was dem recht war, bloß hatte Ozzy dann ja selbst keine Unterhose mehr, und der Photograph drückte aufs Tempo. Kurzerhand schlüpfte er darob in den Morgenmantel. Es mögen Drogen im Spiel gewesen sein.

Technical Ecstasy

Im Jahre 1976 trat Black Sabbath in eine Phase ein, über die Ozzy Osbourne später ungefähr sagte (in schwer verständlichem Birminghamer Working-Class-English): „Wir dachten, wir seien die Beatles. Oder Pink Floyd.“ Der Vergleich ist nicht verkehrt, denn die Band entfernte sich sichtlich (Jawohl, sichtlich, denn das Titelbild, von Pink Floyds House-and-Court-Titelbildentwerfer Hipgnosis entworfen, zeigte, wie abermals der um Bonmots niemals verlegene Mr. Osbourne bemerkte „two robots screwing on an escalator“, was zu den vorherigen Alben nicht gepaßt hätte, hier aber nicht fehl am Platze wirkt.) und hörentlich vom gewohnten schweren Doom-Sound der Anfangstage. Zwar beginnt der erste Song „Back Street Kids“ mit einem schweren Riff, zwar ist „You Won’t Change Me“ hard & heavy, aber das von Bill Ward gesungene „It’s ALright“ ist beinahe ein Softrock-Song, „She’s Gone“ knüpft in seiner streichergetragenen Schnulzigkeit an „Changes“ vom Vol-4-Album an, ohne es zu erreichen, und „Rock ’n‘ Roll Doctor“ ist annähernd ein Rock-n-Roll-Song. Das sind alles keine schlechten Lieder, im Gegenteil, aber eben anders. Da ich mich als Anspieltipp nicht zwischen „You Won’t Change Me“ und „Gypsy“ entscheiden kann, schmuggle ich das eine hintenrum rein und verlinke das andere offen:

Der Song „Dirty Women“ wurde auch in jüngerer Zeit noch auf Live-Konzerten vorgetragen, aber über die musikalische Ausrichtung der Band bestand wohl schon damals intern Unstimmigkeit. Zu jener Zeit kamen in England, Amerika und sogar Australien zahlreiche neue Bands auf, die drohten, Black Sabbath den Rang abzulaufen. Auf der Tour zum Album wurde Black Sabbath von AC/DC als Vorband begleitet, die eine Show boten, mit der Sabbath nicht mithalten konnte. Auch pflegten Iommi und Genossen noch die Tugend musikalischer Diversität, wie „Technical Ecstasy“ durchaus beweist, während junge Bands sich als Genrespezialisten betätigten. Die Mitglieder von Black Sabbath hatten rundheraus keine Ahnung, auf welches Genre sie sich denn einigen sollten. Hinzu kamen die immer noch anhaltenden Rechtshändel und der zunehmende Drogenkonsum, der die Stimmung in der Band aufs Zerreißen spannte. Und so kam es, daß Ozzy nach der Tour zum Album die Band verließ und sich dem Soloprojekt „Blizzard of Ozz“ widmete.

Never Say Die!

Da es für Black Sabbath ja auch ohne Ozzy weitergehen mußte, heuerten sie einen neuen Sänger an, Dave Walker, und arbeiteten an neuem Songmaterial. Doch dann kehrte Ozzy 1978 zur Band zurück, und Dave Walker durfte wieder abziehen, denn Mr. Osbourne hatte die älteren Rechte. Naturgemäß weigerte er sich, die Songs zu singen, die in seiner Abwesenheit enstanden waren, also mußten unter relativem Zeitdruck acht neue Lieder geschrieben werden. Den Song „Junior’s Eyes“ sang Ozzy dann doch, aber für „Swinging The Chain“ mußte Bill Ward ans Mikro, der ja bewiesen hatte, daß er es konnte. Wie üblich zeigt der Klang auf diesem Album Abweichungen vom Gewohnten, ist insgesamt noch weniger düster als auf dem vorherigen Album. Der Opener „Never ay Die!“ ist schnell, hell und kurz. Das Auftaktriff von „Johnny Blade“ kommt vom Synthesizer. „Air Dance“ klingt wie die Vorspannmelodie einer 70er-Jahre-Fernsehserie. Das Instrumentalstück „Breakout“ ist eine Jazz-Nummer mit Bläsern. Ach, hören wir mal „Air Dance“:

Neben dem Zeitruck, unter dem die Aufnahmen stattfanden, erschwerte auch die weitgehende Unzurechnungsfähigkeit einzelner oder aller Bandmitglieder infolge massiven Zugedröhntseins die Fertigstellung des Albums. Am schlimmsten trieb es in dieser Hinsicht, natürlich, Ozzy Osbourne. Und weil der schon zuvor mit einem Soloprojekt geliebäugelt hatte und insgesamt nicht mit dem Herzen bei der Sache war, gaben seine Drogenexzesse schließlich den Ausschlag, die Zusammenarbeit mit ihm zu beenden. Ozzy wurde gefeuert. Unter Tränen, denn er war ein Freund, aber die Differenzen in Arbeitsethos und musikalischer Ausrichtung schienen diesen Schritt unvermeidlich zu machen. Und so war es dann vorbei mit Black Sabbath, wie diejenigen, die sie kannten, sie kannten.


Der 31ste Oktober 1517.

31. Oktober 2017

Da an obgenanntem Tage Martin Luther an die Schloßkirche zu Wittenberg wummerte und, einem alten Halloween-Brauch folgend, dem Papst Süßes oder Saures bot, begehen Protestanten heute den Reformationstag. Das auslösende Ereignis jährt sich zum 500sten Male. Oder zum 499sten? Derlei Rechenspiele kann ich ja immer nicht. Egal. Schon vor gut 15 Jahren nahm ich dieses Datum zum Anlaß, kleine Szenen aus dem Leben Luthers in Lego umzusetzen, welche ich nun zum Jubiläum stumpf wiederverwende, einschließlich der jeweils zugehörigen Bildunterschriften.

Und eigentlich begann alles am 2ten Juli 1505:

Der junge Martin Luther, Magister Artium der Philosophie und Doktor der Juristerey, befindet sich auf dem Weg von Mansfeld, dem Wohnort seiner Eltern, nach Erfurt, dem Sitz seiner Universität. Unterwegs überrascht ihn auf freiem Felde ein heftiges Gewitter. Die Menschen des Mittelalters wissen inzwischen, daß weder Zeus noch Donar für derartige Naturerscheinungen verantwortlich sind, dennoch ist ein Unwetter nach wie vor geeignet, sie in Angst und Schrecken zu versetzen. Keineswegs unbegründet, denn auch heutzutage sterben noch jedes Jahr mehrere hundert Menschen durch Blitzschlag und Unwetter.

Auch Luther steht Todesnöte aus, und der damaligen Sitte gemäß wirft er sich zu Boden und ruft eine ihm bekannte Schutzheilige an, deren Nummer er zufällig im Kopf hat, in seinem Fall die heilige Anna. Das ist die Schutzheilige der Bergleute; Luthers Vater war lange Zeit Bergmann, später sogar Bergwerksbesitzer. So eine Schutzheilige hilft natürlich nicht einfach so aus Barmherzigkeit, denn sie ist ja katholisch. Als Gegenleistung für die Rettung muß man ihr etwas geloben, und Luther gelobt, Mönch zu werden, sollte er dieses Unwetter lebend überstehen.

Wie wir wissen, überlebt Luther das Gewitter, und nun muß er Mönch werden. Dumm gelaufen, bei Dreckswetter von Mansfeld nach Erfurt nämlich. Mit seiner Juristenkarriere ist es damit natürlich vorbei, aber als guter Rechtsgelehrter erfüllt er den Vertrag mit der heiligen Anna. Er tritt in ein Augustinerkloster in Erfurt ein und startet nun eine Theologenkarriere. Diese findet ihren vorläufigen Höhepunkt am 31. Oktober des Jahres MDXVII (1517):

Am 31sten Oktober im Jahre des HErrn MDXVII schlug der Augustinermönch Dr. Martin Luther 95 Thesen wider den Ablaßhandel an die Pforte der Schloßkirche zu Wittenberg. Er bezweckte lediglich, einen theologisch-wissenschaftlichen Disput über die Praxis des Handels mit der GOettlichen Vergebung in Gang zu setzen. Doch es war der Startschuß zur Reformation und zur erneuten Spaltung der hl. Mutter Kirche, welche in den folgenden Jahrhunderten zu Krieg und Verwüstung in ganz Mitteleuropa führte.

Nachdem er seine 95 Thesen wider den Ablaßhandel veröffentlicht hatte, pflog Luther einem kurzen Schriftwechsel mit dem Papst in Rom, wiewohl der päpstliche Anteil an der Konversation hauptsächlich in der formellen Mitteilung bestand, daß Luther sich als Ketzer für exkommuniziert zu betrachten habe, so er nicht seine Schriften widerrufe. Überdies ließ der Papst verfügen, daß alle Schriften Luthers verbrannt und aus dem Gedächtnis der Menschheit getilgt würden, denn sie paßten ihm gar schlecht ins Konzept einer auf weltliche Macht aufgebauten Kirche. Nicht vor Gott sollte der Gläubige sich verantworten, sondern vor der Kirche, und für ein reines Gewissen hatte er gefälligst etwas zu zahlen.

Daß Luther dies anders beurteilte, brachte ihm natürlich die Sympathien der einfachen Leute ein, schon deswegen, weil sie dieser ewigen Zahlerei an das Schatzamt in Rom überdrüssig waren; aber auch, weil er sich standhaft gegen die Dekrete der Oberen zur Wehr setzte und nichts widerrief. So etwas gefällt dem Volk. Nicht jedoch gewannen Luthers theologische Schriften ihm die Gunst Karls V. Dieser war katholisch und fühlte sich als Kaiser des „heiligen römischen Reiches“ verpflichtet, die Einheit der Kirche und der Christenheit zu schützen, sei es gegen die Heere Süleymans des Prächtigen oder gegen kleine widerborstige Mönche aus der sächsischen Provinz.¹ Daher hätte er liebend gern den Bannspruch des Papstes schlicht bestätigt und über Luther ohne Vertun die Reichsacht verhängt.

¹) Dieser Anspruch hinderte Karl jedoch nicht daran, seine Truppen im Jahre 1527 Rom plündern zu lassen und Papst Klemens VII. unter Hausarrest auf der Engelsburg zu stellen. Aber das tat er nicht in seiner Eigenschaft als römischer Kaiser sondern als Spanier², der gegen Frankreich in Italien Krieg führte.
²) Er war von Geburt kein Deutscher, sondern in den Niederlanden geborener Spanier. Die Herrschaft über das heilige römische Reich deutscher Nation war ihm als Habsburger eher von Abstammung wegen zugefallen, kümmerte ihn aber wenig.

Das aber wußte Luthers offensichtlich seinem Beinamen gerecht werdender Landesherr, Friedrich der Weise, Kurfürst von Sachsen, zu verhindern. Er erwirkte beim Kaiser, daß Luther die Gelegenheit erhielt, sich vor einer Verurteilung wenigstens zu rechtfertigen, wie es das gültige Recht vorsah. Schon gar nicht dürfe Luther nach Rom an die Inquisition ausgeliefert werden, weil er als Deutscher einen Anspruch darauf habe, nur innerhalb seiner Landesgrenzen gerichtet zu werden. Überdies habe ihm für seine An- und Abreise zum Prozeß freies Geleit zugesichert zu werden. Und so geschah es; der Kaiser lud den Doktor vor den Reichstag, der 1521 in Worms stattfand, daß er sich dort verantworte.

Vor uns sehen wir den hohen Saal, der Kaiser thront, vor ihm in zwei Viertelkreisen beobachten die Kurfürsten, gewandet in rot und weiß, das Geschehen³, der Saal ist gefüllt mit Würdenträgern aus Adel, Kirche und den Reichstädten, sowie Prozeßbeobachtern der Deutschen Presseagentur und Reuters’. In des Saales Mitte ist ein Tisch aufgebaut, darauf Luthers Schriften liegen, die er widerrufen soll, andernfalls er eines gestrengen, höchstkaiserlichen Urteils gewährtig sein muß, Gott helfe ihm, Amen! Vor dem roten Teppich vertritt Johann Eck als sachverständiger Theologe die Sache des Kaisers, hinter dem Tisch steht Luther selbst. Er erläutert, daß es ihm unmöglich sei, seine Bücher und Schriften, die er selbstverständlich anerkenne, zu widerrufen, da er sie im Einklang mit den Worten der Heiligen Schrift verfaßt habe, sodaß eine Widerrufung seiner Bücher und Schriften einer Widerrufung der Heiligen Schrift gleichkomme. Sollte ihm jedoch nachgewiesen werden, daß er in seinen Schriften Fehler im Sinne der Heiligen Schrift begangen habe, sei er der erste, der eigenhändig sein Geschreibsel den Flammen übergebe. „Hier stehe ich, ich kann nicht anders“, soll er zum Abschluß seines Plädoyers gesagt haben.
³) Es müßten eigentlich ihrer sieben sein, doch das hätte an unerwünschter Stelle die Symmetrie beeinträchtigt.

Nun, es konnte ihm niemand formelle Fehler nachweisen, aber darum ging es ja auch nicht. Dem Kaiser ging es wie dem Papst um schnöde Politik, und sie waren gewohnt, diese kraft des ihnen verliehenen Amtes durchzusetzen, sodaß es sie mehr als wurmte, daß ein unbedeutender Mönch aus der kursächsischen Pampa ihrem Willen nicht gehorsamst Folge leistete, potz Fickerment noch eins! Dem Dr. Luther hingegen war die politische Tragweite seiner Anmaßung schnurz, ihm ging es um das Verhältnis des Menschen zu Gott, das er nicht durch eine Kirche vermittelt sehen wollte, die ihre Authorität als religiöse Instanz für bloß irdische Machtinteressen mißbrauchte.

Luther widerrief nicht und reiste ab, durchaus begleitet vom Beifall so manchen Reichsritters. Der Kaiser malte ihm noch die Reichs-8 auf den Rücken und erklärte ihn zum Vogelfreien, den jedermann jederzeit ohne Strafverfolgung beseitigen durfte. Ein Rechtsstaat war das halt damals nicht.

Als Luther vor den Reichstag zu Worms geladen wurde, hatte sein Landesherr, der Kurfürst von Sachsen, sich für ihn ausbedungen, daß ihm freies Geleit für die An- und Abreise zugesichert würde. Der Mann wußte schon, weshalb. Denn auf dem Reichstag schlug der Kaiser erwartungsgemäß den Doktor Luther in Acht und Bann. Somit war er nun ein recht- und staatenloser Illegaler, vogelfrei, und der Willkür eines jeden ausgeliefert, der seiner habhaft wurde und ihm etwas anhaben wollte. Kaiser und Kirche hofften, daß recht viele dies wollten und das Problem „Martin Luther“ für sie aus der Welt räumen würden.
Auf seiner Rückreise von Worms nach Wittenberg wurde Luther denn auch prompt von einer Bande Strauchdiebe, wie es den Anschein hatte, einkassiert. Er hatte es schon fast bis nach Hause geschafft, befand sich schon am Rande des Thüringer Waldes, als am Abend des 4. Mai 1521 das Verhängnis doch noch zuschlug. Er wurde aufgegriffen und auf die Wartburg verschleppt.

Doch zu seinem Glück stellte sich heraus, daß es sich bei den Entführern um Schergen Friedrichs des Weisen handelte. Dieser befand sich in einer Zwickmühle: Als Untertan und Kurfürst seines Kaisers konnte er natürlich nicht öffentlich einem Geächteten Hilfe gewähren, und dennoch wollte er seinen brillantesten Theologieprofessor schützen. Also ließ er seine eigenen Leute dem Doktor auflauern, damit diese ihn faßten, bevor es jemand anderes tat. Nicht verbürgt sind die Worte, mit denen er sie auf ihre Mission entließ: „Und laßt es wie einen Unfall aussehen!”

Die Wartburg, wie wir sie hier sehen, bietet nicht ganz den Anblick dar wie zu Luthers Zeiten. Denn zu Beginn des 19. Jahrhunderts, nach den erfolgreichen Befreiungskriegen gegen Napoleon, gewann sie nicht zuletzt aufgrund der hier von Luther geschaffenen Bibelübersetzung Bedeutung als Symbol der deutschen Einheit, als Fundament der nationalen Erneuerung, ja, man könnte fast sagen: Sie errang Kultstatus. Zum 300. Jahrestag des Thesenanschlags fand im Oktober 1817 in ihren Mauern das „Wartburgfest“ statt, sozusagen das Gründungsfest der studentischen Burschenschaften. Ein weiteres Wartburgfest fand im Revolutionsjahr 1848 statt.
Die Burg selbst wurde (auf Initiative Goethes hin) in großen Teilen restauriert. Hierbei wurden einige der Gebäude komplett neu errichtet, und zwar in historisierendem und vor allem auch romantisierendem Stil, getreu dem Motto: „Wir bauen uns das Mittelalter, wie wir es schön gefunden hätten.“ Das sieht hübsch aus und ist inzwischen auch schon wieder fast 200 Jahre alt, doch darf man eben nicht glauben, die gesamte Burg sei original mittelalterlich.

Nachdem über Martin Luther aufgrund diverser Schriften gegen die herrschende Lehrmeinung der hl. Mutter Kirche die Reichsacht verhängt und er in Bann geschlagen worden war, wurde er vom gutmeinenden Fürsten Sachsens entführt und auf der Wartburg versteckt. Dort lebte er unter dem Decknamen „Junker Jörg“ (welch Namen sich Walt Disney nicht besser hätte ausdenken können) und übersetzte aus lauter Langeweile das Neue Testament aus dem Griechischen ins Deutsche. Und wie er so in seiner Stube saß und übersetzte, erschien ihm – der Legende nach – der Teufel.

Luther, der sich ja schon zuvor als resolut und couragiert erwiesen hatte, griff zum Tintenfaß und warf es nach dem Teufel, um ihn zu vertreiben. – Den Fleck, den die Tinte an der Wand hinterließ, malt man heute noch nach, um ihn stolz den Besuchern zu präsentieren.

Ob sich der Wurf des Tintenfasses tatsächlich so ereignet hat – mal abgesehen vom Erscheinen des Teufels –, ist umstritten. Auch ist es nicht klar, ob, falls überhaupt, es sich auf der Wartburg begeben hat. Denn auch für Luthers Stube in Wittenberg gibt es eine Anekdote, in die der Doktor, der Teufel und ein Tintenfaß involviert sind. Luther selbst hatte gesagt, er habe den Teufel mit Tinte ausgetrieben. Wahrscheinlicher als ein Wurf mit dem Tintenfaß ist allerdings, daß er diese Aussage metaphorisch auf seine Schriften bezog.

So. Das waren bis hierhin fünf Episoden aus meinem Luther-Zyklus, erstmals in historisch korrekter Reihenfolge dargeboten.

Und heute? Heute ist die Hälfte der Christenheit nicht katholisch, was unter anderem auf das Wirken Martin Luthers zurückzuführen ist. Gespalten war die Kirche freilich schon vorher, als sich im Morgenländischen Schisma die griechisch-orthodoxe Kirche von der römisch-katholischen schied, was bereits 500 Jahre vor der Reformation stattfand. Und unabhängig davon, ob man den theologischen Gedanken Luthers, Zwinglis, Calvins und der anderen wirkmächtigen Reformatoren folgt, und auch gleichgültig, ob man überhaupt in irgendeiner Form religiös gebunden ist, so hatte die Reformation doch klare weltliche Auswirkungen. Die Standhaftigkeit Luthers und seiner Mitstreiter zeigte den Zeitgenossen, daß die Macht der Kirche nicht unwidersprochen hingenommen werden mußte, daß es möglich war, gegen die Dogmen des Klerus aufzubegehren. Freilich verstanden viele zu ihrem Unglück die Brandreden Luthers als Aufforderung, gewaltsam gegen die Herrschenden vorzugehen, wodurch zunächst die Bauernkriege ausgelöst wurden und längerfristig der 30jährige Krieg in Gang gesetzt wurde. Aber, so behaupte ich, auch die europäische Aufklärung hätte ohne die Reformation und das durch sie erzwungene Umdenken in der katholischen Kirche und ihren Machtverlust durch die Abspaltung großer Teile der abendländischen Christenheit keinen Raum zum Atmen gehabt.

Luther selbst war natürlich nicht aufgeklärt, sondern manches gäbe es an ihm und seinen Auffassungen zu kritisieren – aus heutiger Sicht. Theologisch war er ein Hardliner, zwar nicht bezogen auf die Dogmen der römischen Kirche, von denen er sich berechtigterweise löste, aber in seiner wörtlichen Bibelauslegung. Und seine Tiraden gegen Juden und Hexen müßten uns schockieren, würden wir nicht bedenken, daß auch ein Mensch vom intellektuellen Format eines Martin Luther doch auch immer ein Kind seiner Zeit ist und somit von den ihn umgebenden Umständen geprägt.

In meinem Leben war Luther immer präsent. Eine Bleistiftzeichnung mit seinem Antlitz, stilvoll mit Doktorhut, hing hinter dem Schreibtisch im Arbeitszimmer meines Vaters, ein Pastor. Mir war also immer bewußt, daß es Luther gegeben hatte, daß es die Reformation gegeben hatte, und daß wir deswegen evangelisch sind und mit der theologisch fragwürdigen katholischen Kirche nichts am Hut haben. Der Katechismus kam später hinzu. Persönlich imponiert mir an Luther vor allem, wie er mit spitzfindiger Bibelauslegung dem weltlichen Machtanspruch der Kirche (der einzigen, die es damals in Westeuropa gab) die Grundlage entzog, insofern es eben für den Christenmenschen nicht der Vermittlung der Kirche qua Ablaß und strikter Unterwerfung unter die kirchlichen Dogmen bedarf, um zu Gott zu kommen, da Jesus davon nun mal nichts gesagt hatte; eine Argumentation, die ich religionsimmanent immer noch für belastbar halte. Außerdem ist sein Mut, es als kleiner Mönch, der nach dem Willen der Herrschenden doch eigentlich ein Rädchen in ihrem Machtapparat sein sollte, gegen Papst und Kaiser zu opponieren, nach wie vor bewundernswert, selbst wenn sein berühmter Spruch: „Hier stehe ich, ich kann nicht anders“ nur eine Legende sein sollte. Darum war ich immer froh und bin es bis heute, in eine protestantische Familie hineingeboren worden zu sein.


Eigentlich ganz simpel.

21. Juni 2017


Seit fast 20 Jahren …naja… laß sagen, seit 15 Jahren schwebt mir vor, meinen Lieblingsroman in Brick-Testament-Manier in Lego nachzubauen. Ein zum Scheitern verurteiltes Projekt, weil: Mein Projekt. Und ich krich ja den Arsch nicht hoch. Dabei habe ich es immerhin geschafft, Grimmelshausens „Abenteuerlichen Simplicissimus“ dreimal zu lesen, 720 frühneuhochdeutsche Seiten. Einmal im Rahmen eines Seminars an der Uni, inclusive Hausarbeit zum Thema, einmal als Vorbereitung auf die Zwischenprüfung, und dann noch mal für Spaß. Und obendrein las ich ohne Not auch noch die verwandten Werke „Lebensbeschreibung der Ertzbetrügerin und Landstörtzerin Courasche“ (von Bertolt Brecht später als „Mutter Courage und ihre Kinder“ auf die Bühne gebracht) und den „Seltzamen Springinsfeld“, welcher recht eigentlich als Sequel zum „Simplicissimus“ betrachtet werden kann.

Die „Courasche“ ist leider arg zerfleddert, weil ich das Reclam-Bändchen eine Zeitlang in meiner Gesäßtasche mit mir trug, was töricht war, denn so übertrieben leicht zu bekommen sind diese Ausgaben gar nicht, handelt es sich doch eher um spezielle Literaturkost, die nicht jede Buchhandlung einfach so vorrätig hält. Nach wie vor erhältlich ist freilich der „Simplicissimus“. Immerhin ist es der erste große Roman von deutschlandweiter Weltgeltung, weshalb man ihn in der Klassiker-Abteilung einer „Meyerschen“ durchaus findet. Und bei dieser Gelegenheit wird man mit Bestürzen feststellen, daß das Klassiker-Regal dieser „Meyerschen“ ungefähr einmeterfuchzich breit ist, während für moderne Esoterik-Literatur eine ganze Etage reserviert ist und für pseudohistorische Frauenromane („Die Base des Bischofs“. „Die Nelkenumtopferin“. „Die Jäterin im Klostergarten“.) eigens angebaut wurde. Aber was soll’s, Hauptsache, die Leute lesen überhaupt noch irgendwas anderes als Twitter-Nachrichten und radikal-unempathische Facebook-Foren. Wie dem auch sei, auch ich fand in der Buchhandlung noch zwei Ausgaben des „Simplicissimus“, die ich einfach mal so haben wollte, ohne sie je tatsächlich zum Lesen benutzen zu wollen. Man kann ja nicht immer nur Lego sammeln.

Hier ist die rechte Ausgabe in historischer Orthographie und Interpunktion, während das Buch in der Mitte schlicht Reclams Edelausgabe des Buches links ist, welches mir fernerhin und wie gehabt als Leseexemplar dienen soll. Derartige Edelausgaben historisch bedeutsamer Werke der Literatur gab es vom Reclam-Verlag schon immer. Also mindestens seit den 1950er Jahren. In meines Vaters Bücherschrank fanden sich eine derartige Ausgabe des „Dil Ulenspiegel“ und von Sebastian Brants „Narrenschiff“. Leider keine des „Simplicissimus“, was eigentlich unverzeihlich ist, zumal mein Vater ansonsten die Weltliteratur quasi komplett hatte, Manesse, Insel und Reclam sei Dank.

Meine Lesebändchen-Ausgabe des Romans ist ziemlich eindeutig eine moderne Variante dieser 50er-Jahre-Prachtausgaben aus dem Reclam-Verlag. Und ich bin ja da so: Ich will den „Simplicissimus“ auch in so einer historischen Ausgabe haben! Ich will ich will ich will, aber is nich so einfach. Meine stichprobenartigen Recherchen bei Ebay bringen insofern Treffer, als ich mir sicher sein kann, daß es den Roman damals in einer solchen Ausgabe gab. Aber die angebotenen Exemplare sind alle arg mängelbehaftet, vor allem hinsichtlich des Schutzumschlags. Aber ohne den tu ich’s nicht.

So, und was hat das alles jetzt mit Lego zu tun? Nicht viel, leider. Weiter als bis zum Frontispiz bin ich nie gekommen.